L'origine de ma démarche s'est construite autour d’une réflexion sur la liberté dans le geste pictural, le choix du motif et du besoin irrépressible de dépasser la représentation du monde réel, de m’en affranchir pour aller au-delà de ses contours, de ses limites. C’est sous cet angle que j’ai commencé à envisager l’abstraction tout en me questionnant sur le principe de causalité, le hasard et le rôle du libre arbitre dans la naissance des formes. Ainsi, en devenant acteur plus que spectateur, partant du constat que tout effet à une cause, je compose au gré de mes réflexions, de mon intuition, mélangeant les techniques pour obtenir des effets, des cohabitations entre formes, couleurs et matières afin de trouver des équilibres harmonieux, des coexistences heureuses. Dès lors, mon approche est devenue strictement formelle et procède d’un agencement structuré, constitué d’interventions méthodiques, de gestes vifs et précis. Au fil du temps des lignes directrices se sont dessinées et enracinées dans des courants oscillants entre expressionnisme abstrait, abstraction lyrique et art brut.
GENÈSE I INTENTIONS I PRATIQUE AU QUOTIDIEN
Ayant vécu très tôt au contact de la nature, j’ai pu m’imprégner de l’extrême richesse de ses formes, couleurs et variations. Son observation a laissé en moi une empreinte durable qui m’a conduit à me questionner sur certains de ses aspects. Pourquoi cette forme et cette couleur plutôt qu’une autre? Est-ce que tout cela était le fruit du hasard ou d’un long processus de création?
Ces questionnements sur la genèse, le déterminisme, le libre arbitre ou encore l’accident dans la naissance des formes ont commencé à s’enraciner progressivement dans ma démarche notamment après une brève période figurative vécue comme un enfermement, une impasse.
Durant cette période, je me suis interrogé sur la place de la figuration dans la peinture notamment sur le besoin d’utiliser le réel comme support, comme motif. Pourquoi avoir besoin d’un motif préexistant? La figuration en étant au service du réel n’est-elle pas que la simple illustration d’une idée, d’une point de vue pour faire passer un message (personnel, politique, historique, sociologique, psychologique, etc)? Le fond est-il plus important que la forme? À l’inverse, on peut se demander à la lumière de l’histoire de l’art si le style d’une œuvre figurative et le courant auquel elle appartient n’ont pas plus de valeur que le sujet en lui-même? Ainsi, quand on s’intéresse de près à la peinture dans la figuration ne retient-on pas en définitive ce qu’il y a de plus abstrait dans une peinture figurative?
En partant de ces réflexions et trouvant certaines limites à la figuration, je me mis progressivement à m’en détourner et à considérer la peinture pour elle-même, dans sa substance, son essence, sa matérialité. Dès lors, mon intention était de construire mon propre univers en privilégiant la liberté, l’énergie, l’élan vital, sans béquille, sans filet. Une façon de me mettre à nu, en danger, de prendre des risques en faisant dialoguer les formes et les couleurs selon mes propres régles sans perdre de vue mes pairs et l’avancée de l’abstraction actuelle.
Ainsi, depuis de nombreuses années, j’ai pu explorer divers aspects de l’abstraction pour libérer mon geste, associer la ligne, le dessin aux aplats, mélanger les techniques pour obtenir des effets, des cohabitations entre couleurs, matières et matériaux. Ceci a contribué à articuler ma démarche autour de trois axes principaux à la fois complémentaires et interdépendants :
Le premier se caractérise par un long processus d’accumulation de couches, de recouvrements jusqu’au boutisme. Une manière d’aborder la notion de repentir, de construction et de déconstruction afin de trouver le point d’équilibre ultime. Dans cette approche, il est aussi question d’évoquer le moment précis dans la décision d’achever une peinture. Cette prise de décision arbitraire guidée par mon intuition est inconsciemment une façon de mettre un coup d’arrêt à l’infini des possibles, de le fragmenter à travers chaque peinture et de le rythmer par une temporalité.
Le second s’inscrit dans une approche minimaliste où l’appropriation de l’espace se fait par de petites touches de couleurs, tâches, lignes légères et dynamiques, des interventions rapides laissant une grande place au blanc de la toile et aux respirations. Une façon de prendre le contre-pied de l’approche précédente en composant rapidement dans l’improvisation et en limitant les reprises.
Le troisième est une synthèse des deux précédentes avec un ajout de collages issus de matériaux résiduels d’oeuvres en cours ou achevées (traces sur des morceaux de papiers, restes de peintures, chiffons usagés) et des motifs prélevés dans la rue au moyen de transferts à la mine de plomb sur des chutes de toile. Une façon de composer à la fois avec des matériaux recyclés issus de l’atelier, constitutifs de la genèse des œuvres, soulignant ainsi leur interdépendance par imprégnation et également des motifs extérieurs afin d’amener des signifiants touchant à l’inconscient collectif.
Concernant l’approche technique, tout commence dans l’atelier, c’est là où tout infuse in-situ et remonte à la surface. Il y a quelque chose de fœtal propice à la maturation des œuvres dans cet espace en vase-clos. Les formes et les couleurs imprégnées de son atmosphère y naissent, prospèrent et chaque action est ressentie à la fois comme un acte conscient d’affranchissement et en même temps conditionnée par des liens de cause à effet. Ces formes sont d’un côté sorties de mon imagination mais ne sont pas étrangères à celles créées antérieurement et même s’il n’y a pas de dimension narrative à proprement parler dans mon travail, ces dernières sont rattachées à mon histoire, mon vécu, mes souvenirs et peuvent évoquer involontairement certains aspects du monde réel (Objet, paysage, scène, etc). Quoiqu’il en soit, ce qui doit arriver arrive comme quelque chose d’irrépressible à mesure de l’évolution de la composition et aucun travail préparatoire n’est fait en amont. C’est dans l’action, l’improvisation en faisant corps avec la toile, l’espace enveloppant de l’atelier et en entrant progressivement dans un état de trans, de semi-conscience avec le réel que la peinture commence à prendre forme. Rien n’est possible, rien ne peut se produire sans entrer dans cette danse spirituelle autour de la toile posée au sol. Ainsi, des heures durant, en totale osmose avec mon univers, je me concentre sur la composition et j’attends, telle une révélation, que se produise cet instant précis, si particulier, ou peut-être, il se passera quelque chose d’unique donnant à la peinture sa force, son intensité, son équilibre.
The origin of my approach was built around a reflection on freedom in the pictorial gesture, the choice of motif and irrepressible need to go beyond the representation of the real world, to free myself from it to go beyond its contours, its limits. It is from this angle that I began to consider abstraction while questioning myself on the principle of causality, chance and the role of free will in the birth of forms. Thus, by becoming an actor more than a spectator, starting from the observation that every effect has a cause, I compose according to my reflections, my intuition, mixing techniques to obtain effects, cohabitations between forms, colors and materials in order to find harmonious balances, happy coexistences. From then on, my approach became strictly formal and proceeds from a structured arrangement, made up of methodical interventions, lively and precise gestures. Over time, guidelines have emerged and become rooted in currents oscillating between abstract expressionism, lyrical abstraction and art brut.
GENESIS I INTENTIONS I DAILY PRACTICE
Having lived in contact with nature from a very early age, I was able to immerse myself in the extreme richness of its forms, colors, and variations. Observing it left a lasting impression on me, leading me to question certain aspects of it. Why this shape and color rather than another? Was it all the result of chance or a long creative process?
These questions about genesis, determinism, free will, and even the accidental nature of forms gradually began to take root in my approach, particularly after a brief period of figurative painting that I experienced as a confinement, a dead end.
During this period, I explored the role of figuration in painting, particularly the need to use reality as a medium, as a motif. Why do I need a pre-existing motif? Isn't figuration, in serving reality, simply the illustration of an idea, a point of view to convey a message (personal, political, historical, sociological, psychological, etc.)? Is content more important than form? Conversely, one might ask, in light of art history, whether the style of a figurative work and the movement to which it belongs are not more valuable than the subject itself? Thus, when one takes a close interest in figurative painting, don't we ultimately retain what is most abstract in a figurative painting?
Starting from these reflections and finding certain limits to figuration, I gradually began to turn away from it and to consider painting for itself, in its substance, its essence, its materiality. From then on, my intention was to build my own universe by favoring freedom, energy, and vitality, without crutches or safety nets. A way to expose myself, to put myself in danger, to take risks by creating a dialogue between shapes and colors according to my own rules without losing sight of my peers and the progress of current abstraction.
Thus, for many years, I have been able to explore various aspects of abstraction to free my gesture, to combine line and drawing with flat tints, to combine techniques to achieve effects, coexistences between colors, materials, and textures. This has helped to articulate my approach around three main axes that are both complementary and interdependent:
The first is characterized by a long process of accumulating layers, of covering them until the very end. It is a way of approaching the notion of repentance, construction, and deconstruction in order to find the ultimate point of balance. This approach also involves evoking the precise moment in the decision to complete a painting. This arbitrary decision-making, guided by my intuition, is unconsciously a way of putting a stop to the infinity of possibilities, of fragmenting it through each painting, and of giving it rhythm through temporality.
The second is part of a minimalist approach where the appropriation of space is achieved through small touches of color, stains, light and dynamic lines, rapid interventions leaving ample room for the white of the canvas and for breathing space. A way of taking the opposite approach to the previous one by composing quickly through improvisation and limiting rework.
The third is a synthesis of the previous two with the addition of collages made from residual materials from works in progress or completed (traces on pieces of paper, leftover paint, used rags) and motifs taken from the street by means of graphite transfers onto scraps of canvas. A way of composing both with recycled materials from the workshop, constituting the genesis of the works, thus highlighting their interdependence through impregnation and also external motifs in order to bring signifiers touching on the collective unconscious.
Regarding the technical approach, everything begins in the studio; it's where everything infuses in situ and rises to the surface. There's something fetal about this closed-off space that's conducive to the maturation of the works. The shapes and colors imbued with its atmosphere are born and flourish, and each action is felt both as a conscious act of liberation and at the same time conditioned by cause-and-effect relationships. These forms, on the one hand, come from my imagination, but are not unrelated to those created previously. Even if there is no narrative dimension per se in my work, the latter are connected to my history, my experiences, my memories, and can involuntarily evoke certain aspects of the real world (object, landscape, scene, etc.). In any case, what must happen happens as something irrepressible as the composition evolves, and no preparatory work is done beforehand. It is in action, improvisation, becoming one with the canvas, the enveloping space of the studio and gradually entering a state of trans, of semi-consciousness with reality that the painting begins to take shape. Nothing is possible, nothing can happen without entering into this spiritual dance around the canvas placed on the ground. Thus, for hours, in total osmosis with my universe, I concentrate on the composition and I wait, like a revelation, for this precise, so special moment to occur, or perhaps something unique will happen, giving the painting its strength, its intensity, its balance.
